Regalamos la reseña de los 5 mejores LIVE del Heavy Metal de todos los tiempos a todos los metaleros que han decidido entrar en DEHEAVY.COM. Una reseña para conocer las anécdotas más importantes acerca de los producciones más destacada del metal en vivo. Conciertos míticos, ídolos del metal, participaciones de record. 
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Índice
Ozzy Osbourne – Tribute (1987)
Ozzy Osbourne es por derecho uno de los íconos más representativos del metal, sin embargo, estilísticamente, siempre se ha decantado más por el Hard Rock que por el Metal. Con Black Sabbath era el elemento menos «metal» de la formación. Entre la batería redoblante de Ward, el bajo discreto de Butler, los riffs revolucionarios de Iommi, el legado de Osbourne como cantante se recogió en su mayoría en los ambientes más duros. También tuvo éxito entre las bandas Death Metal más irreductibles, que recibieron de forma prioritaria esa voz de canto casi incapaz de construir refranes asépticos.
En su papel de Loco, su «ser metal» estaba más vinculado al personaje que a su música. Una forma de ser excesivo que iba mucho más allá de la transgresión que siempre le ha caracterizado. El personaje más apropiadamente de metal se manifestó en posturas horribles, ostentoso, con auto-ironía, gusto refinado por el kitsch y un halo «maldito» heredado del pasado «oscuro» en Black Sabbath.
Quizá tuvo además mucha suerte a nivel musical tropezarse con un extraordinario guitarrista como Randy Rhoads. A partir de entonces el arte de Ozzy también se volvió más ágil, menos enlucido. Randy, fue un guitarrista que, por estilo, podría regresar a la escuela de monstruo Eddie Van Halen. Pero ciertamente la inspiración del joven californiano no se detuvo ante la brillante emulación, sino que pudo ir mucho más lejos, pescando con facilidad tanto desde el blues que de la música clásica, terminando forjando un estilo profundamente personal y que, si se desarrolla adecuadamente, podría haber dado mucho más al rock y al metal Caracterizado por una fantasía compositiva, un sabor melódico, un fuego en las venas de un verdadero maestro de las seis cuerdas.
El nivel técnico de Randy Rhoads (por qué Tribute está entre los 5 mejores live de heavy metal)
A nivel técnico el acrobático Rhoads logró dispensar grandes ensayos de guitarra: ritmos incandescentes, escapes repentinos, vibrato, escalas neoclásicas, flexión y tapping entre otras técnicas y un uso virtuoso de efectos y trucos de prestigio: todo realizado a la velocidad del rayo. En resumen, la parafernalia ideal para equilibrar la estática vocal de Ozzy, quien encontró en Randy Rhoads un aliado más agradable para él que Tony Iommi y el resto de los Sabbath.
La esencia de Randy Rhoads, el guitarrista de Ozzy, homenajeada en el album «Tribute»
Es comprensible que un genio artístico de ese calibre (R. Rhoads) se reuniera con las inevitables limitaciones entre las cuatro paredes de un estudio de grabación, y que, por lo tanto, encontrara su tamaño ideal en los ejes de un escenario, donde su estilo parecía finalmente flotar en vuelo sin más lastre. Por esta razón, la mejor manera de recordar a Rhoads fue simplemente el álbum «Tribute», dedicado a él, pero publicado cinco años después de su muerte (en el mes de mayo de 1987). Esta es la grabación de una actuación celebrada en Cleveland, estado de Ohio el 11 de mayo de 1981 con una alineación centrada principalmente en el debut, pero que por un lado anticipó dos episodios de «Diary of a Madman» (que se habría publicado oficialmente unos meses más tarde) y que, por otro lado, no descuidó el repertorio de Black Sabbath (presenciado con el renacimiento de «Paranoid» e «Iron Man«). Destacamos también que se incluirán dos canciones de la primera gira en solitario de Ozzy, grabada en Southampton el 2 de septiembre de 1980, mientras que el solo de «Suicide Solution» se extraerá de otra fecha (Montreal, Canada, 28 de julio 1981).
Análisis técnicas de las grabaciones en el disco de Tribute
Tal vez penalizado por una grabación desequilibrada y una alineación limitada a la primera parte de la carrera de Ozzy este documento en vivo cumple a la perfección la tarea en el momento establecido. Es decir, resaltar el talento del guitarrista, rodeado por la ocasión por respetables simpatizantes: Tommy Aldridge a la batería, Don Airey al teclado, Rudy Sarzo al el bajo.
¿Porqué «Tribute» es uno de los 5 mejores live del heavy metal? Sigue leyendo…
Se queda forjada a fuego “Mr. Crowley” y el solo de» Suicide Solution «, pero todo en realidad es una leyenda en este concierto, a partir de la apertura confiada a las orquestaciones épicas del famoso tema de “O Fortuna” (Carmina Burana) pronto interrumpida por la entrada de Ozzy («¿Ready To Rock?»), para terminar con la joya acústica “Dee”: un momento de gran humanidad (no dedicado por casualidad a la madre), epílogo ideal para este manifiesto que está teñida de mito.
Judas Priest – Unleashed In The East (1979)
El año 1974 fue uno de esos años mágicos, por casualidad dicen algunos, por un diseño diabólico dicen otros, porque se sentaron los cimientos de dos de los géneros que hoy en día se resisten a morir: el Heavy Metal y el Hard Rock. Por un lado fue el año debut de la banda (Hard Rock y Rock’n’Roll) KISS con su disco homónimo y también de los monstruos Judas Priest (consagrados como unos de los mayores exponentes del Heavy Metal) con su primer álbum Rocka Rolla.
Pero tuvimos que esperar hasta el año 1979 con la salida a la venta del álbum Unleashed In The East para que la prensa internacional acordase que este último representaría el verdadero primer hito de la banda. Sin nada quitar a trabajos posteriores como British Steel (1980), Screaming for vengeance (1982), Defenders of the faith (1984) y el mítico Painkiller (1990), esta joya de los años setenta representa el verdadero puñetazo en la mesa de la banda británica Judas Priest.
¿Porqué es tan importante “Unleashed In The East (1979)” de Judas Priest?
A pesar que este álbum no cuente con las grabaciones más conocidas de Judas Priest en el ámbito del Heavy Metal, es muy importante porque representa la intención espontánea de recurrir el Hard Rock y meterse poco a poco en el Heavy Metal. En los años setenta el Heavy Metal era un concepto experimental mientras que el Hard Rock estaba más ensayado, rodado quizá por acercarse más al Rock’n’Roll (preguntádselo a Led Zeppelin y a KISS).
Con estas premisas se puede entender que este trabajo genial de Judas Priest representa el anillo faltante darwiniano del rock y todos sus derivados más duros que se hicieron famosos a partir de los años ochenta. También representa la motivación por la cual este disco de los Judas está entre los 5 mejores live del heavy metal.
Finalmente la esencia de este álbum representa aquel giro inesperado, la improvisación que te sorprende, la sinergia entre los miembros de la banda que te sorprende.
Los «responsable» de haber grabado uno de los 5 mejores live del heavy metal
Glenn Tipton y K.K. Downing muestra esos duetos que se convertirían (de hecho, ¡ya estaban en 1979!) en su firma, improvisando solos impactantes; Ian Hill es el responsable del sonido con un bajo pulsante siempre redondo y bien presente, un contrapunto ideal para el trabajo monumental de las dos guitarras; Les Binks un metrónomo a la batería. Y Rob? Bueeeeeno… Rob Halford, que en la época tenía sólo 28 años y ya contaba con madurez vocal y artística, es el diamante de la banda y sus interpretaciones, por ejemplo, en «Tyrant» o «Victim of changes» permanecerán grabadas a fuego para siempre.
Actualmente Judas Priest, lejos de estar estancados, han tenido muy buena crítica con su último trabajo «Firepower» grabado durante el año 2017 y salido a la venta el 9 de marzo de 2018.
Dream Theatre -Live Scenes from New York (2001)
En el panorama metalero neoyorquino, resalta » Live Scenes from New York» del 2001 por una sencilla razón: porque simboliza el renacimiento, el rescate compositivo de Petrucci y compañía. Criticado por su frialdad, «Awake», el lanzamiento de Kevin Moore y el desastre de «Falling in infinity» (seguido por el igualmente aburrido soporte en vivo «Once in a LIVEtime»), Dream Theatre habían demostrado que, al volver a unir las ideas y con el injerto correcto en el momento adecuado (el legendario Rudess en lugar de Sherinian), seguían siendo el punto de referencia del metal progresivo mundial.
Por un total de 203 minutos de música en vivo, 3 CDs, esta obra se posiciona como referencia para el nuevo milenio. Se incluye una grabación en vivo de Agosto del 2000 en el Roseland Ballroom en NY. Es obligo destacar «Metropolis Pt.2» (que ocupa la duración de todo el CD1 y parte del CD2), sin cortar ni una sola canción.
El CD2 se completará con una mezcla de canciones tomadas de «Images & Words«, «Awake» y «Falling into infinity«
Finalmente el CD3 eleva a “Live Scenes from New York” al olimpo del metal en vivo. El tercer volumen de la obra, de hecho, dura 60 minutos para solo 3 canciones (toda la trilogía de la inmortal «Learning to live«, la monumental «A change of seasons» y «A man behind itself«)y se considera como la firma artística de la banda, una secuencia de ensueño.
El antes y el después de Dreamtheatre
El directo “Live Scenes from New York” marca la línea divisoria entre la primera parte, sensacional, de la carrera dreamteatraliana y la que seguirá más adelante; una segunda fase nunca particularmente negativa, pero lejos de lo mejor de los años noventa. Desde 2001 en adelante esta banda estadounidense se posiciona en un nivel óptimo del metal progresivo.
Un compendio ideal de más de una década de carrera, a la época de “Live Scenes from New York”, este triple álbum en vivo es un viaje maravilloso para aquellos que, nunca habiendo oído hablar de ellos quisiera conocerlos. Obra en vivo en la que la interpretación de las canciones logra combinar de manera equilibrada las características cardinales de una banda progresiva tocando en vivo: la fidelidad de las versiones originales y la improvisación moderada de los músicos, sinérgia que hoy en día es muy complicado encontrar.
Iron Maiden – Live After Death (1985)
Hablar de «Live After Death» no requiere preparación.
Un álbum en vivo que consagró la sustancial alteridad del metal en comparación con el rock, duro o no duro, progresivo o clásico. Fue y es un centro ideal de gravedad de las diversas tendencias de metal clásico, empezando por las “cabalgadas” de guitarras, continuando por la teatralidad, las sugerencias mitológicas, la fascinación por lo oculto y acabando por la melancolía a la pasión rabiosa.
Análisis de la grabación del Live After Death
Es todo un hito en la carrera de la Doncella de Hierro, grabado a posteriori de éxitos como “Piece Of Mind (1983)” y “Powerslave (1984)”. Es un directo bastante uniforme, de alta calidad, donde Bruce Dickinson canta triunfos teatrales que se establecieron históricamente como el estilo vocal de Iron Maiden. Se las arregla para teatralizar «The Phantom Of The Opera e interpreta «Wrathchild» de forma épica; las variaciones vocales que distribuye a lo largo de las grabaciones en vivo marcan un antes y un después en la interpretación vocal del Heavy Metal de todos los tiempos. «Revelations» es quizás el punto en el que Dickinson se abandona más a su ritmo de recitación, dejándose llevar por una especie de aire lírico.
¿Dónde se grabó Live After Death de Iron Maiden, uno de los mejores live del heavy metal
Para quienes tuvieron la suerte de estar presente en los conciertos el 8, 9, 10 y 12 de octubre del 1984 en Hammersmith Odeon, Londres y los días del 14 al 17 de marzo de 1985 en Long Beach Arena, California, fue espectacular. Aquellos que participaron tuvieron la suerte de ver a Bruce por primera vez dividir la audiencia en dos alas, derecha durante «Running Free» y hacerle gritar alternativamente «ooooh», levantar las manos hacia el cielo y subir todos juntos. Hay que decir que para los que no estuvieron, esperar aquellos “minutos interminable” en el disco resulta un poco aburrido al estilo «discurso de Joey» durante los conciertos de Manowar. ¡Pues, id a un concierto de Iron Maiden y veréis que esos minutos interminable son todo menos aburridos!
Salida a venta del directo Live After Death
El disco salió en el 14 de octubre del año 1985 en vinilo y un mes más tarde en CD. Ni siquiera es cierto que la primera versión fuera una versión reducida, ¡era un doble!. Por razones de espacio en la primera edición no se incluyó «Sanctuary«, caballo de batalla en vivo. Misteriosa la ausencia de “Where Eagles Dare”, pieza majestuosa con ritmo acrobático: una pista de primer nivel.
La firma de Derek Riggs en la portada del disco en directo
La portada, de color azul y amarillo, creada por el mítico Derek Riggs, muestra una versión zombie de Eddie The Head, coincidiendo con la primera versión, pero también con una nueva connotación «mágico-demoníaca«, que estuvo ausente en las primeras versiones.
La verdadera peculiaridad está en un detalle, la escritura en la lápida de Eddie:
“That is not dead which can eternal lie, And with strange aeons even death may die”
H.P. Lovercraft, The Nameless City
Es decir: “No está muerto lo que puede esperar eternamente, Y transcurriendo extrañas eras, hasta la muerte puede morir”
Realmente no se conoce la motivación que llevó a Riggs poner esa frase en la portada de esta obra maestra del Heavy Metal pero podemos avanzar una interpretación posible: en primer lugar se aclara una cosa, que el metal ahora vive su propia vida, que la nueva ola (en el 1985 lo era) de Heavy Metal británico, que ha contribuido a definir los cánones, es superada por sí misma. El metal se destaca del rock y viaja en territorios lejos del compromiso y el entretenimiento y «retrocede» en los del sueño.
Motörhead – No sleep ‘til hammersmith (1981)
La era metalúrgica del hierro y el acero comienza mucho antes que la electrónica. De aquellas bandas protagonistas de esta era, de las bandas que más se identifican y destacan por su exasperada resonancia metálica, con elemento del ruido acústico deseado. Las guitarras se dirigen a los aserraderos, a los motores de los camiones, al ruido de las cadenas que levantan.
Motörhead hacen rock metalizado, primitivo: por esta razón hubo una temporada que algunos incluso les clasificaba como thrash-metal. Sin embargo, la estructura de los temas era minimalista, la vivacidad era la del Rock and Roll, temas puramente líricos. Su slogan más famoso es «Nacido para perder, vivo para ganar», derivado del motociclismo. Sólo por esta frase tan impactante, No sleep ‘til Hammersmith está entre los 5 mejores live del heavy metal.
Hablando líricamente, Motörhead parecen una parodia de Salvatore Quasimodo cuando señaló con el dedo a la degeneración del hombre moderno, a la conducta de sus máquinas de la muerte.
El elemento metálico industrial está enriquecido por el elemento bélico. Metal de bombas, de carcasas de aviones y tanques, de balas. La era del acero y las ciudades que se levantan en monumentos a sí. Una pesadilla de la que el motociclista huye.
Análisis de No sleep ‘till Hammersmith
La escenografía de Hammersmith proponía la reproducción de un esqueleto de un avión de guerra con iluminación y que podía moverse, al estilo de una Noria. Las escenografías y las portadas de Motörhead continuaron recordando tótems de metal: la chatarra que cubre la cara del jabalí (¿o es un perro?) Snaggletooth, el tren de «Orgasmatron«, El puño de hierro.
Acogida del directo por parte de la crítica musical de la época (años ochenta)
«No Sleep ‘til Hammersmith» (1981) es un punto ideal a mitad de camino entre otros dos lives: «Blitzkrieg on Birmingham 77» (1977) y «No Sleep at All» (1988) que se liquidó con suficiencia en revistas especializadas y se mostró como un perdedor en comparación con su predecesor (objeto de esta reseña).
Es curioso cómo este disco, de un grupo joven de la época, pide arrogantemente al público que «memorizara» su nombre: “Ahora recuérdanos, somos Motörhead”. Usando un juego de palabras, el lema de Lemmy.